Aislamiento de temporalidad debido al tiempo de exposición fotográfica

Obsturación instantanea

Estroboscopica

Zoom

Multidestello

Trasposición en la escala de colores fotográficos

Coloración manual

Filtraje

Saturación

Luminograma

Barrido

Cartelización

Deslizamiento película

Viraje

Elección del objeto

Composición

Iluminación


Puesta en escena

Fotograma

Encuadre

foto aparente

foto congelada

Weegee

Weegee fue durante los años 30,40 y 50 testigo de la vida nocturna de Nueva York. Weegee siempre se las arreglaba para estar presente en accidentes, arrestos, incendios, asesinatos y disturbios. Por la mañana vendia su material a los periodicos o agencias de prensa.
Tambien fue testigo de conciertos de jazz y de las fiestas que se celebraban en el Greenwich Village, Harlem o Bowery.

Arthur Felling, alias Weegee, aprendió la técnica fotográfica como oficio, dedicándose al fotoperiodismo. Aborda su trabajo de manera directa, sin pretensiones estéticas, y buscando el efectismo y la inmediatez que exigen los diarios que le compran las fotos.

La obra de Weegee es un gancho directo, un imán que mete al espectador en la imagen. Al ganarse la vida como freelance de sucesos necesita que sus fotos impacten y consigan que el editor del periódico elija la suya y no otra y que el lector que pasa las hojas del diario rápidamente, capte su imagen. Por eso las fotos de Weegee no precisan explicaciones, lo dicen todo por sí mismas.

Bert Stern

Empezó su carrera como fotógrafo de publicidad en los años 50 y en los 60 y 70 se convirtió en el prototipo de fotógrafo americano como la encarnación del glamour, una leyenda. Trabajó para la revista Vogue, lo que le supuso la cumbre de su carrera. A su estudio acudieron el mundo de la moda la celebridad y la publicidad, todos atraídos por su energía, amabilidad y excepcional talento. Su trabajo ha sido expuesto en Tokio, Londres y en galerías de todos el mundo.

Bert Stern realizó por encargo de Vogue una sesión fotográfica para la que Marilyn aceptó posar desnuda, aunque finalmente se desestimó por considerar la revista que eran fotografías demasiado espontáneas. Se hizo una segunda tanda, con la que en total Stern sumaba más de 2500 instantáneas de un lado desconocido de la actriz. Ha sido el mismo fotógrafo quien ha seleccionado las contenidas en el libro. En algunas de ellas incluso se ve a Marilyn con una cicatriz, ya que le habían extraído hace poco la vesícula biliar. Finalmente Stern decidió no retocarla, quedando mucho más natural así.

Cindy Sherman

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas holliwoodenses de los años cincuenta . La serie ponía sobre l tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.

Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad.

En los años ochenta y noventa del pasado siglo sus representaciones de violencia y sexualidad ( para las que se valía de diferentes máscaras y prótesis´), dieron pie e no pocas controversias. La estética feista propugnada por Sherman se vio intensificada con una serie de fotografías de marcados acentos pictóricos en los que recogía a modo de bodegón , materiales como excrementos, mucosidades, sangre, penes protésicos, en una prefiguración de “plagas” contemporáneas como el SIDA o la anorexia.

En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004 que ahora se presentan Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como modelo, Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes carácterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes carácterizaciones se añade con ellas la puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad. Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos ¿ Son los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo”.

August Sander

En la foto, se puede apreciar un gran contenido en cuanto a composición, la mirada atenta de un bebe y su guardian.
Sander, se caracteriza por fotografiar personas, utilizando novedosas técnicas para su epoca y jugando con blancos y negros da paso a la evolución del arte.


Fotógrafo alemán. Tras trabajara siete años en una mina y realizar el servicio militar, se ocupa en empresas fotográficas de Berlín, Magdebourg, Leipzig y Halle, iniciando estudios de pintura en Dresde, con el propósito de trasladar al ámbito artístico su creciente interés por la fotografía. En 1902 se asienta en Linz, comenzando a trabajar en el estudio Greif, para fundar posteriormente, en 1904, el Taller de Fotografía de Arte y Pintura August Sander. En 1909 se instala en Colonia abriendo un estudio en el barrio Lindenthal, donde comienza a trabajar en la obra de su vida: Hombres del siglo XX. En la década de los treinta siendo asediado por los nazis, se refugió en la fotografía de los paisajes renanos, asistiendo, en 1944 a la destrucción de su estudio y sus archivos. En su retiro de Kuchhausen, en Westerwald, continua trabajando en condiciones rudimentarias, en el olvido, hasta que en 1951, L. Fritz Gruber, expone sus fotografías en la photokina y consigue que el Kölnisches Stadtmuseum se haga cargo de sus imágenes. Los retratos de Sander consiguen que por primera vez la fotografía se considerada como arte, siendo apreciado su trabajo, sistemático y esencial, como uno de los primeros ejemplos de arte conceptual, de gran influencia en la posterior evolución de las artes plásticas.

Gordon Parks

No es necesario habalar del contenido de esta foto (pues queda claro a primera vista), pero sí hay que recalcar que es muy interesante como juega con los planos de la imagen, con los colores y la expresión que demuestran los personajes.

Gordon Roger Alexander Buchannan Parks es muy conocido quizá más por su trabajo como director de la película "Shaft" (1971), trabajó de modo muy notable también como fotógrafo, en especial para la revista Life. Gran activista por la causa afro-americana, sus ensayos fotográficos y retratos están hoy recogidos en la Librería del Congreso de los USA.

Comenzó realizando fotografías en 1938, con una cámara Voightlander Brilliant. Al revelar su primer rollo de película, los empleados le felicitaron por su trabajo y rápidamente le pusieron en contacto con los dueños de una tienda de ropa de modas para ofrecerle su primer encargo como fotógrafo de modas.

Para "American Ghotic" Gordon se inspiró en los contínuos rechazos de tipo racista que recibió en tiendas y restaurantes tras llegar a Washington.
Durante los siguientes años combinó trabajos de denuncia gráfica con encargos de modas, entre otras, para la revista Vogue.
Con un trabajo sobre las bandas de Harlem, Parks se ganó un puesto como fotógrafo y escritor de plantilla en la revista Life.
Así, fotografió entre otros a Malcom X, Muhammed Ali.

También realizó el reportaje del niño Flavio da Silva, que languidecía a causa de la neumonía y malnutrición. La fotografía de Gordon Parks en la portada de Life originó donaciones que ayudaron a salvar la vida del pequeño y a pagar un nuevo hogar para su familia.

Gordon Parks falleció a los 93 años de edad el pasado 7 de Marzo de 2006 en su casa de Manhattan.

Helmut Newton

Si bien esta foto no tiene alto impacto en cuanto a contenido, la he elejido por sus contrastes y colores.
Helmut Newton, se caracteriza por causar grandes polemicas con sus fotografías, mostrando mucho cuerpos desnudos y gran cantidad de morbo.
Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.
Newton, nace el 31 de octubre de 1920 y muere el 23 de enero de 2004, siendo uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.

Marilyn, por Arnold Newman

Famoso por su extraordinario estilo a la hora de realizar retratos, vio desfilar por delante de su objetivo a nombres Eisenhower, Kennedy, Winston Churchill, Marilyn Monroe, Joe Di Maggio, Pablo Picasso o Woody Allen. Su muerte es reciente, el 6 de junio de 2006 fallece de un ataque al corazón a los 88 años de edad en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York.

Definiendo más de seis décadas de su propio trabajo, explicó en una entrevista que ”No quería que se tratara solamente de una fotografía. El segundo plano tenía que sumarse a la composición y ayudar a comprender al personaje. Hacer sólo el retrato de alguien famoso no significa nada”.
Además dijo, “Cuando hago un retrato, no tomo una fotografía. La construyo, buscando todos aquellos elementos gráficos que mejor expresen el mas típico denominador común del sujeto.”Con esto podemos entender lo que quiere expresarnos, dar a conocer y entender con su fotografía.

Will McBride

McBride, se caracteriza por sus fotos de alto impacto, utilizando diversas técnicas se queda con una de las favoritas de esta gran lista de fotografos, el blanco y negro. También juega con cuerpos desnudos y personas que comuniquen a través de su mirada.

Charlotte March

March se caracteriza principalmente por sus fotografías en primer plano y en blanco y negro. Utiliza estas técnicas para dar vida a sus retratos, para mostrar caras y expresiones. Fotografiando no solo personas de color, sino de todas las razas.

Man Ray

Emmanuel Radnitsky, hijo de inmigrantes rusos, nace en Filadelfia en 1890. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Realiza sus estudios en la Hihg School y La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY.
En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. Se casa con Adon Lacroix y se bautiza como Man Ray.
Conoce a Marcel Duchamp, que fué una figura relevante en su vida. Compra su primera cámara con la idea de hacer reproducciones de sus cuadros.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Su cercana amistad con él influyó respectivamente en el trabajo de ambos, resultando en una creativa colaboración. Impulsado por Duchamp, Man Ray se trasladó a París en 1921, y, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.
A su llegada a París conoce a Jean Cocteau que le acoge en su amplio grupo de amigos. Inventa los rayogramas.
Se une al movimiento Dadá y luego a los Surrealistas. Poseedor de una fértil imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, experimentó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.
Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.


Debido a las influencias que Man Ray tuvo a lo largo de su historia, no es sorprendente que cree obras como estas (foto), no es sorprendente que sus fotografías dejen analizando cada uno de sus detalles, pensando en sus sentimientos y emociones. Confidencialmente, me encanta Man Ray.

Slide

Fotos

Primer plano

Apertura: 3,5

Velocidad: 1/25

Enfoque: 10 cm

Segundo plano:

Apertura: 3,5

Velocidad: 1/25

Enfoque: 60

Profundidad de campo:

Apertura: 3,5

Velocidad: 1/25

Enfoque: 25 cm

Scaner

opacos




transparencias

Dorotea

“representa un gran cambio, un verdadero hito en la manera de concebir y hacer fotografía documental en el mundo: es el paso de la imagen como testimonio a la imagen como instrumento de reforma social”.
Su obra de creación se basó en retratar amorosamente al pueblo trabajador, obrero o campesino en la época de la Gran Depresión. Si sintetizó su manera de trabajar en una frase emblemática: “Mi enfoque se basa en tres consideraciones: Ante todo: ¡Manos fuera! Aquello que yo fotografío, no lo perturbo ni lo modifico ni lo arreglo, procuro representarlo como parte de su ambiente, como enraizado en él y sobre todo procuro mostrarlo como poseedor de una posición dada, sea en el pasado o en el presente”.
Pequeña Biografía:
- Nace en 1895 y muere en 1965. - En la infancia sufre la polio; le queda como secuela una cojera y una deformación en una de las piernas. - Vive en California, en Berkeley más concretamente, donde se casa con un profesor de la Universidad de Berkeley. - Trabaja entre 1935 y 1939 en la Resettlement Administration, que luego pasaría a llamarse, y así se la conoce ahora, como Farm Security Administration (FSA). En el momento de tomar la foto, 1936, trabaja para esta organización. - Posteriormente, en 1942, trabaja para la War Relocation Authority. Fotografía campos de ciudadanos norteamericanos de origen japonés, que después de Pearl Harbour son internados.

Escuchando a Karsh.

Claro está que Yousuf Karsh, en la mayoría de sus trabajos, fotografía retratos, pero he elegido esta foto por ser diferente y mostrar a este hombre de espaldas en un ambiente poco común.

Yousuf Karsh, nacido en Armenia (en ese entoces en poder de Turquia) en 1908. Con sólo 15 años sus padres lo enviaron a Canadá para salvarlo de la opresión turca, comenzó trabajando con un tio y montó su primer estudio en 1927. Falleció en 2002, luego de años de prolífica labor. Mantuvo su estudio en Ottawa hasta 1991. Uno de los retratistas más reconocidos del siglo XX

Famoso por sus retratos de celebridades, fue el autor de la conocida foto de Winston Churchill con su bastón y gesto cascarrabias que fue tapa de la revista LIFE. Entre las décadas del 30 y 70 retrató a innumerables personajes del mundo como Albert Einstein, Ernest Hemingway, Joan Miró, J.F. Kennedy, Marc Chagall, Sir Lawrence Olivier, Tennesee Williams, Martin Luther King, entre tantos otros.

Walde Huth

Fotógrafa alemana, quien comenzo como retratista a finales de los cuarenta, pero luego, en 1953 abrió un estudio de fotografía de moda y publicidad, por lo tanto su mundo de la fotografía fue ligado con el mundo de la moda. Es por esto la belleza y la estetica de sus fotos, algo realmente hermoso y delicado.

Hoyningen - Avere

Es impresionante cómo algunas fotos de George Hoyningen- Avere , puedan parecer tanto una pintura, pero esto se debe a que antes de dedicarce a la fotografía, también fue pintor.

Es uno de los fotógrafos de mayor talento que trabajó en Paris en los años 20 al 30. Nacido en San Petersburgo, no se dedica a la fotografía hasta que se instala en Paris en 1920. Su afición artística abarca varios campos, empezó estudiando pintura, se aproximó también al mundo del cine como figurante, en el campo de la moda dio sus pasos como diseñador y en esos años empieza a aficionarse por la fotografía. En 1925 empieza a trabajar para Vogue y a partir de ahí su éxito no paró.

Fotogramas

Aunque no quedé completamente felíz con mi trabajo, me encantó la clase! fue lo mejor poder crear, diseñar y experimentar cosas nuevas a través de materiales tan simples como sal, flores, algodón, papeles, etc
Espero con ancias este jueves! además, después de clases me voy leeejos. Nos vemos.

Retrato Frank

Frank Horvat nació en 1928 en Abbazia cuando esta ciudad era italiana ( ahora es croata ). Sus padres eran médicos.

Inició su carrera como foto-reportero realizando diversos viajes por todo el mundo.
Alcanzó su mayor fama en los años 50 y 60 por sus colaboraciones, con fotografía de moda, en las más importantes revistas de la época, como Vogue, Elle o Stern.

Trabajó en la prestigiosa agencia Magnum y sus fotografías figuran hoy día, en colecciones de los más importantes museos del mundo.

Lejos de centrarse en un único tipo de fotografía, ha cultivado diversos géneros, entre los que se pueden citar la fotografía documental, moda, retratos, naturaleza, urbana.
Desde 1989 comienza a investigar con la fotografía digital.

Ha realizado numerosísimas exposiciones por todo el mundo y es, asimismo, autor de una veintena de libros sobre los más variados temas, entre los que figura uno de reciente publicación, titulado "Homenatge a Cataluña".

Horst

Dándole enfasis al cuerpo humano, Hosrt P. Horst, nos muestra otro lado de el des-cubrir.

Se llamaba Horst Paul Bohrmann, pero transformó tan germánico nombre por el de Horst P. Horst, en 1943, al adoptar la nacionalidad norteamericana, para no ser confundido con el nazi Martin Bormann. Horst era un estilista de la cámara, un mago de la luz, un vividor, un retratista de mujeres esplendorosas, ricas y famosas, de intelectuales excéntricos. Desde Marlene Dietrich a Andy Warhol, pasando por Jean Cocteau. Fue el pionero y creador de la fotografía de moda. Ha muerto a los 93 años, tras una vida de luz y lujo.

Nacido el 14 de agosto de 1906 en Weimar (Alemania), en el seno de una familia de clase media alta, cursa estudios de Arquitectura, siendo alumno de Le Corbusier. Pero pronto los abandona para dedicarse a la fotografía. Comienza a trabajar en el París de finales de los años 20 y se especializa en fotos de estudio. La ciudad de la luz es, entonces, la Babilonia de entreguerras, donde se dan cita artistas, escritores, aristócratas que huyen del naufragio de los imperios centroeuropeos y ruso, gentes del cine y del teatro. Es el París de Gertrude Stein, Dalí, Luchino Visconti y Greta Garbo-Ninotchka. Horst los trata a todos ellos y consigue que posen para él. Gracias a su mecenas y mentor, Hoyningen-Huene, conocido como el barón de Vogue, comienza a trabajar para la célebre revista y se convierte en el fotógrafo de la moda.

Rostros de sofisticadas mujeres, talles estilizados, sombreros con el ala caída sobre los ojos, serían algunos de los motivos más frecuentes y mejor retratados por la cámara de Horst.

Continuaría su carrera en Estados Unidos, siempre al servicio de Vogue pero colaborando, además, en otras publicaciones como House & Garden. Trabajó también para Calvin Klein. Su cámara, mundana y seductora, se recreó en las figuras de Coco Chanel, Harry S. Truman, Robert Mapplethorpe, Isabella Rossellini, Jackie Kennedy y, por encima de todos ellas, con la de Marlene Dietrich, que él convirtió, junto con el director de cine Josef von Sternberg, en icono de toda una época divertida y decadente.

Horst P. Horst, fotógrafo, nació el 14 de agosto de 1906 en Weimar (Alemania) y falleció en Palm Beach (EEUU) el 18 de noviembre de 1999.

Impacto

Gottfried Helnwein (8 de octubre de 1948, Viena) pintor, fotógrafo y artista de performance austriaco-irlandés maestro del reconocimiento sorpresivo ^.

Helnwein estudió en la Universidad de Artes Plásticas en Viena (Akademie der Bildenden Kunste, Wien). Le fue otorgado el premio de Master Class (Meisterschulpreis) en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, el premio Kardinal-Konig y el premio Theodor-Korner.

Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de esto, su trabajo suele ser considerado provocativo y controversial. Helnwein ha trabajado como pintor, dibujante, muralista, fotógrafo, escultor y artista de performance, utilizando una gran variedad de técnicas y medios. También es conocido por su diseño de vestuario y escenografía teatral, tanto de ballet como de ópera. Entre ellas cabe mencionar Staatsoper Hamburg, Volksbuhne Berlin y la Ópera de Los Ángeles.

Volar

Phillipe Halsman, antes de dedicarse a la fotografía estudió electrónica en Dresde. Más tarde, trabajó como retratista y fotógrafo de moda independiente en París, donde se instaló en 1928.

En 1940 emigró a USA donde realizó numerosos trabajos para LIFE.
En 1949, la publicación de sus imágenes de saltos, una serie de fotos de grandes personalidades que saltaban por el aire delante de su cámara, tuvo un gran éxito. En esa serie, Halsman manifiesta su sentido del humor a la vez ingenioso y bromista, que impregnaría toda su producción fotográfica.
También tiene una gran importancia el elemento surrealista de sus trabajos enraizado, seguramente en su gran amistad con Salvador Dalí.
Halsman trabajó durante treinta años con Dalí en diversos proyectos en los que el fotógrafo transcribía las ideas del pintor, en el lenguaje de su propio medio artístico.

Soledad.

Soledad es el título para esta foto y para muchas otras de Walkers Evans, pues entre sus obras intenta mostrar la realidad de la gente del mundo de hoy, cada vez más solos aunque rodeados de gente.
Walker (1903 - 1975), nace en Missouri y se educa en Illinois, después va a Europa a estudiar en la Sorbona, donde se dedica por completo a la obra de Flaubert, Baudelaire y Joyce. Pronto abandona su intención de escribir y pintar y se dedica a la fotografía; describirá su trabajo con la siguiente máxima: " el arte no es nunca un documento, pero puede adoptar su estilo".

Más tarde regresa a Nueva York y trabaja para la Farm Security Administration realizando trabajos fotográficos sobre la condición campesina tras la crisis de 1929. En 1936 deja la FSA y trabaja para la revista Fortune haciendo un reportaje sobre familias pobres en Alabama. Éste es, sin duda, uno de sus mejores trabajos. Con él, se convirtió en punto de referencia para toda una generación posterior de fotógrafos a los que serviría desde entonces como fuente de inspiración. Éstos son Eugene Smith, Robert Frank, Diane Arbus o Richard Avedon.

Reflejo

Por la originalidad de la composición y la libertad que demuestra he querido subir esta imagen.
Gyula Halász (1899), fue conocido a partir de 1921 bajo el seudonimo de Brassai (de "Brasso", su ciudad natal).Llego a la fotografia como autodidacta, estudió Bellas Artes en Budapest y en Berlin. En 1924 se traslado a Paris como periodista y entablo relaciones con el fotógrafo Eugene Atget y Andre Kertész que acompañó con sus fotografias algunos de sus reportajes.
En 1929, a los treinta años, comenzo a tomar fotografias con una camara prestada. En sus prolongados paseos nocturnos porParis de los años 30 fue que fotografio toda la majestusidad de su arquitectura y su fascinacion por los noctambulos de la ciudad, como ser vagabundos, prostitutas, amantes, bailarinas y otraaas figuras.
En 1937 comenzo a trabajar con Harper's Bazar una revista de modas, al que suministro una voluminosa documentacion fotografioca sobre artistas y hombres de las letras celebres. Ahí es donde conoce a Pablo Picasso quien luego fuera su amigo.
Brassai abandono la fotografía en 1962, desde entnces se ocupo de la reimpresion de sus obras originales y nuevas ediciones de sus libros.

Soñar

Al buscar imágenes de Margaret Bourke- White me encontré con muchísimos vuelos. Gente aspirando a ser más, tener más y he elegido esta foto por la mirada de estos dos pequeños, uno hacia el frente y el otro hacia arriba, hacia el cielo, como queriendo poder escapar de la pobreza, anhelando otra realidad.
Mrgaret se sumerge en la miseria y muestra todos sus destellos.
Aqui va una pequeña biografía:

Margaret Bourke-White (1904-1971) nació en Nueva York el 14 de junio de 1904. Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica.

Era una mujer de izquierdas que hizo varios viajes a la antigua Unión soviética (URSS). Por ello, en 1931 publicó "Eyes on Russia". Profundamente sensibilizada por la depresión en el país llegó a interesarse por la política.

Se casó con Erskine Caldwell en 1939 y fueron los únicos periodístas extranjeros en la ocupada URSS tras la invasión del ejército alemán en 1941.

Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi.

Cecil Beaton

Fotógrafo, diseñador, ilustrador y escritor nacido en Londres (1904-1980). Cuandó embarcó para Nueva York, ya era un prestigioso fotógrafo de moda y de sociedad. Trabajo para las ediciones americana y británica de Vogue hasta 1936. Después de la II Guerra Mundial, trabajó principalmente para cine, teatro y ópera. Creó el vestuario de trece películas, entre las que destacan"Ana Karenina" (1947), "Gigi" (1958) y "My Fair Lady" (1964), por éstas dos últimas estuvo nominado a los Óscar. Vistió a estrellas como Audrey Hepburn, Leslie Caron, Barbara Streisand y Vivian Leigh.