Weegee

Weegee fue durante los años 30,40 y 50 testigo de la vida nocturna de Nueva York. Weegee siempre se las arreglaba para estar presente en accidentes, arrestos, incendios, asesinatos y disturbios. Por la mañana vendia su material a los periodicos o agencias de prensa.
Tambien fue testigo de conciertos de jazz y de las fiestas que se celebraban en el Greenwich Village, Harlem o Bowery.

Arthur Felling, alias Weegee, aprendió la técnica fotográfica como oficio, dedicándose al fotoperiodismo. Aborda su trabajo de manera directa, sin pretensiones estéticas, y buscando el efectismo y la inmediatez que exigen los diarios que le compran las fotos.

La obra de Weegee es un gancho directo, un imán que mete al espectador en la imagen. Al ganarse la vida como freelance de sucesos necesita que sus fotos impacten y consigan que el editor del periódico elija la suya y no otra y que el lector que pasa las hojas del diario rápidamente, capte su imagen. Por eso las fotos de Weegee no precisan explicaciones, lo dicen todo por sí mismas.

Bert Stern

Empezó su carrera como fotógrafo de publicidad en los años 50 y en los 60 y 70 se convirtió en el prototipo de fotógrafo americano como la encarnación del glamour, una leyenda. Trabajó para la revista Vogue, lo que le supuso la cumbre de su carrera. A su estudio acudieron el mundo de la moda la celebridad y la publicidad, todos atraídos por su energía, amabilidad y excepcional talento. Su trabajo ha sido expuesto en Tokio, Londres y en galerías de todos el mundo.

Bert Stern realizó por encargo de Vogue una sesión fotográfica para la que Marilyn aceptó posar desnuda, aunque finalmente se desestimó por considerar la revista que eran fotografías demasiado espontáneas. Se hizo una segunda tanda, con la que en total Stern sumaba más de 2500 instantáneas de un lado desconocido de la actriz. Ha sido el mismo fotógrafo quien ha seleccionado las contenidas en el libro. En algunas de ellas incluso se ve a Marilyn con una cicatriz, ya que le habían extraído hace poco la vesícula biliar. Finalmente Stern decidió no retocarla, quedando mucho más natural así.

Cindy Sherman

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas holliwoodenses de los años cincuenta . La serie ponía sobre l tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.

Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad.

En los años ochenta y noventa del pasado siglo sus representaciones de violencia y sexualidad ( para las que se valía de diferentes máscaras y prótesis´), dieron pie e no pocas controversias. La estética feista propugnada por Sherman se vio intensificada con una serie de fotografías de marcados acentos pictóricos en los que recogía a modo de bodegón , materiales como excrementos, mucosidades, sangre, penes protésicos, en una prefiguración de “plagas” contemporáneas como el SIDA o la anorexia.

En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004 que ahora se presentan Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como modelo, Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes carácterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes carácterizaciones se añade con ellas la puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad. Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos ¿ Son los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo”.

August Sander

En la foto, se puede apreciar un gran contenido en cuanto a composición, la mirada atenta de un bebe y su guardian.
Sander, se caracteriza por fotografiar personas, utilizando novedosas técnicas para su epoca y jugando con blancos y negros da paso a la evolución del arte.


Fotógrafo alemán. Tras trabajara siete años en una mina y realizar el servicio militar, se ocupa en empresas fotográficas de Berlín, Magdebourg, Leipzig y Halle, iniciando estudios de pintura en Dresde, con el propósito de trasladar al ámbito artístico su creciente interés por la fotografía. En 1902 se asienta en Linz, comenzando a trabajar en el estudio Greif, para fundar posteriormente, en 1904, el Taller de Fotografía de Arte y Pintura August Sander. En 1909 se instala en Colonia abriendo un estudio en el barrio Lindenthal, donde comienza a trabajar en la obra de su vida: Hombres del siglo XX. En la década de los treinta siendo asediado por los nazis, se refugió en la fotografía de los paisajes renanos, asistiendo, en 1944 a la destrucción de su estudio y sus archivos. En su retiro de Kuchhausen, en Westerwald, continua trabajando en condiciones rudimentarias, en el olvido, hasta que en 1951, L. Fritz Gruber, expone sus fotografías en la photokina y consigue que el Kölnisches Stadtmuseum se haga cargo de sus imágenes. Los retratos de Sander consiguen que por primera vez la fotografía se considerada como arte, siendo apreciado su trabajo, sistemático y esencial, como uno de los primeros ejemplos de arte conceptual, de gran influencia en la posterior evolución de las artes plásticas.

Gordon Parks

No es necesario habalar del contenido de esta foto (pues queda claro a primera vista), pero sí hay que recalcar que es muy interesante como juega con los planos de la imagen, con los colores y la expresión que demuestran los personajes.

Gordon Roger Alexander Buchannan Parks es muy conocido quizá más por su trabajo como director de la película "Shaft" (1971), trabajó de modo muy notable también como fotógrafo, en especial para la revista Life. Gran activista por la causa afro-americana, sus ensayos fotográficos y retratos están hoy recogidos en la Librería del Congreso de los USA.

Comenzó realizando fotografías en 1938, con una cámara Voightlander Brilliant. Al revelar su primer rollo de película, los empleados le felicitaron por su trabajo y rápidamente le pusieron en contacto con los dueños de una tienda de ropa de modas para ofrecerle su primer encargo como fotógrafo de modas.

Para "American Ghotic" Gordon se inspiró en los contínuos rechazos de tipo racista que recibió en tiendas y restaurantes tras llegar a Washington.
Durante los siguientes años combinó trabajos de denuncia gráfica con encargos de modas, entre otras, para la revista Vogue.
Con un trabajo sobre las bandas de Harlem, Parks se ganó un puesto como fotógrafo y escritor de plantilla en la revista Life.
Así, fotografió entre otros a Malcom X, Muhammed Ali.

También realizó el reportaje del niño Flavio da Silva, que languidecía a causa de la neumonía y malnutrición. La fotografía de Gordon Parks en la portada de Life originó donaciones que ayudaron a salvar la vida del pequeño y a pagar un nuevo hogar para su familia.

Gordon Parks falleció a los 93 años de edad el pasado 7 de Marzo de 2006 en su casa de Manhattan.

Helmut Newton

Si bien esta foto no tiene alto impacto en cuanto a contenido, la he elejido por sus contrastes y colores.
Helmut Newton, se caracteriza por causar grandes polemicas con sus fotografías, mostrando mucho cuerpos desnudos y gran cantidad de morbo.
Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja.
Newton, nace el 31 de octubre de 1920 y muere el 23 de enero de 2004, siendo uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.

Marilyn, por Arnold Newman

Famoso por su extraordinario estilo a la hora de realizar retratos, vio desfilar por delante de su objetivo a nombres Eisenhower, Kennedy, Winston Churchill, Marilyn Monroe, Joe Di Maggio, Pablo Picasso o Woody Allen. Su muerte es reciente, el 6 de junio de 2006 fallece de un ataque al corazón a los 88 años de edad en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York.

Definiendo más de seis décadas de su propio trabajo, explicó en una entrevista que ”No quería que se tratara solamente de una fotografía. El segundo plano tenía que sumarse a la composición y ayudar a comprender al personaje. Hacer sólo el retrato de alguien famoso no significa nada”.
Además dijo, “Cuando hago un retrato, no tomo una fotografía. La construyo, buscando todos aquellos elementos gráficos que mejor expresen el mas típico denominador común del sujeto.”Con esto podemos entender lo que quiere expresarnos, dar a conocer y entender con su fotografía.

Will McBride

McBride, se caracteriza por sus fotos de alto impacto, utilizando diversas técnicas se queda con una de las favoritas de esta gran lista de fotografos, el blanco y negro. También juega con cuerpos desnudos y personas que comuniquen a través de su mirada.

Charlotte March

March se caracteriza principalmente por sus fotografías en primer plano y en blanco y negro. Utiliza estas técnicas para dar vida a sus retratos, para mostrar caras y expresiones. Fotografiando no solo personas de color, sino de todas las razas.

Man Ray

Emmanuel Radnitsky, hijo de inmigrantes rusos, nace en Filadelfia en 1890. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Realiza sus estudios en la Hihg School y La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY.
En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. Se casa con Adon Lacroix y se bautiza como Man Ray.
Conoce a Marcel Duchamp, que fué una figura relevante en su vida. Compra su primera cámara con la idea de hacer reproducciones de sus cuadros.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Su cercana amistad con él influyó respectivamente en el trabajo de ambos, resultando en una creativa colaboración. Impulsado por Duchamp, Man Ray se trasladó a París en 1921, y, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.
A su llegada a París conoce a Jean Cocteau que le acoge en su amplio grupo de amigos. Inventa los rayogramas.
Se une al movimiento Dadá y luego a los Surrealistas. Poseedor de una fértil imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, experimentó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.
Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.


Debido a las influencias que Man Ray tuvo a lo largo de su historia, no es sorprendente que cree obras como estas (foto), no es sorprendente que sus fotografías dejen analizando cada uno de sus detalles, pensando en sus sentimientos y emociones. Confidencialmente, me encanta Man Ray.

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Fotos

Primer plano

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Enfoque: 10 cm

Segundo plano:

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Profundidad de campo:

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Enfoque: 25 cm